LUISPOMBO | 2O11 | VIDA EMERGENTE | EMERGENT LIFE

Estimado cliente y amigo, me dirijo a usted para presentarle lo último en programación televisiva, un nuevo canal que, usando las más avanzadas tecnologías en comunicación, revolucionará todas sus concepciones en cuanto a entretenimiento electrónico —y análisis teórico— se refiere. Jengibre Channel es un nuevo canal en su sistema de cable* en Full HD 1080 pixeles y Active 3D® para disfrutar de una calidad sin límites en imagen y sonido. Además, Jengibre Channel le ofrece una gran variedad de aplicaciones interactivas, que cambiarán su manera de ver televisión.

Las líneas son lo que une nuestra memoria, y por medio de éstas, somos capaces de estructurar y organizar el mundo a nuestro alrededor. La representación de las formas se convierte en una manera de probar los límites, proyectar la realidad a través de una configuración imitada, inventada o ideada. Matriz de la comunicación visual, el mapeo se constituye en la actualidad como un proceso de “artización” gracias a su rasgo específico: la conectividad. El predominio de la línea activa con los accidentes en su curso (n-1), y los efectos configuradores correspondientes, remiten a la expresión de los tres planos comunicativos por excelencia: semántico, sintáctico y pragmático, dando un especial énfasis al segundo y tercer plano. Tomando en cuenta lo anterior, podemos asegurar que Jengibre Channel se aleja de las pretensiones estéticas, producto de la caduca y obsoleta asimilación artística dieciochesca.

El público y la experiencia colectiva —especialmente después de las vanguardias y la modernidad— exigen a la imagen un estado gráfico, presumiblemente resultado de la influencia constante y positiva de los medios de comunicación. La obra abierta posmoderna, más allá de su inclinación por el intercambio, está estrechamente relacionada a la provocación de un pensamiento crítico, los mensajes confluyen a gran velocidad y los mapeos rizomáticos se vuelven epistemologías cargadas de contenidos varios, la poli-funcionalidad hecha realidad. El marco estático modernista es rebasado, lo clásico y lo convencional se alejan progresivamente de la sensibilidad actual. Los tiempos parecen propicios para la recomposición de lo moderno en el presente, la posibilidad de re-configurarnos en función del contexto específico en que vivimos.

La tradición africana ya no ejercerá su influencia sobre nuevos dadaístas en un Zurich futuro, la estampa japonesa ya no inspirará a los Manet del mañana. Nuestro público tendrá hoy, la oportunidad de imaginar lo que podría ser la primera cultura verdaderamente mundial.** Una iconografía dinámica e innovadora es el principal reto para cualquier compañía televisiva, es por eso que nuestra transmisión se vuelve una opción para potenciar las experiencias personales, tanto a nivel técnico como de discurso, enriqueciendo los medios para establecer una auténtica estética relacional, junto a una sana actividad recreativa cargada de multiplicidad, única e inimitable. ¿Cuántas personas estarán disfrutando Jengibre Channel, mientras usted también lo hace? ¡Verdad que es fascinante!

Jengibre Channel tiene como principal objetivo, el que usted y su familia conozcan los infinitos caminos y posibilidades de una pensamiento rizomático. ¿No sería fantástico que sus hijos lograran trascender el tradicional pensamiento unitario y comenzaran a ver lo que les rodea en un nivel completamente dimensional? Las cosas no volverán a ser las mismas, se lo garantizamos. Jengibre Channel está constituido por mapas que son producidos, construidos, conectados, modificados, con múltiples entradas y salidas, por un equipo de expertos que trabajan las 24 horas, para garantizar que usted y su familia nunca dejen de disfrutar de nuestra programación continua, los 7 días de la semana, 365 días al año. La memoria corta que caracteriza nuestra transmisión, hace de Jengibre Channel la mejor opción en cuanto a originalidad y calidad, logrando que nuestros valores de marca, como segmentaridad y estratificación, no se vuelvan confusos tecnicismos teóricos-mercadológicos.

Gracias a un esfuerzo conjunto con las empresas más importantes de nuestro país, somos los primeros en realizar una auténtica transmisión continua, al incluir las inserciones publicitarias en sólo una fracción de la pantalla, para que en ningún momento deje de disfrutar de los mapeos que, minuto a minuto, seleccionamos cuidadosamente para usted y su familia.

Agradecemos su preferencia, y estamos convencidos de que el avant-garde, nunca estuvo tan cerca.

¡NO ES UNA BROMA, ES RIZOMA!

Emilio Salinas H.

CEO Rizoma Broadcasting Company

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7 Pasos para crear un sitio específico / Autoayuda a la mexicana-207 minutos
Notas breves sobre el artículo “One Place after Another: Notes on Site Specificity” de Miwon Kwon. October, Vol. 80. (Spring, 1997), pp. 85-110.
Luis Pombo / Dibujo Contemporáneo: Natalia Calderón y Darío Meléndez
México D.F. a 4 de octubre de 2011.

Paso 1. Recuerde que el sitio suele ser un espacio que está unido a las leyes físicas y constituído por conceptos como: largo, profundidad, altura, textura, escala, proporción, ventilación, iluminación, cualidades topográficas e incluso elementos animados (animales y plantas), o inanimados (minerales). Su ejercicio, ya sea “irrumptivo” o “asimilativo”, estará estrechamente relacionado al contexto ambiental, siendo formalmente determinado o dirigido por éste.1

Paso 2. Revise sus conocimientos sobre modernidad, minimalismo, posmodernidad y arte conceptual. Es probable que vaya de un objeto autónomo y auto-referencial, ausente de lugar, nómada y disponible para un intercambio comercial inmediato, a la posibilidad de un “aquí y ahora” espontáneo, efímero y sujeto al tiempo de vida que el contexto físico quiera otorgarle. El reto epistemológico será inevitable, viajando de un tradicional modelo cartesiano a un fenómeno lógico sustentado en la experiencia corpórea y real.2 La acostumbrada desasociación del arte con el mundo exterior será eliminada.

Paso 3. Reflexione sobre la existencia del ahora como un momento de iluminación: …yesterday is history, tomorrow is a mystery, but today is a gift. That is why it is called the “present” 3. Vacíe sus bolsillos para experimentar la ausencia de tiempo y concéntrese sólo en el espacio. Dibuje zonas mentales para ubicar la manifestación del ahora. Las epifanías comenzarán en cualquier momento. El “trabajo” dejará de buscar ser un objeto-sustantivo para convertirse en un verbo-proceso, provocando una interacción crítica del espectador (no sólo física) con respecto a las condiciones ideológicas del fenómeno observado.4

Paso 4. La planeación de la pieza es fundamental, aspectos como hora, ubicación, público, materiales, registro, documentación, entre otros, deberán ser cuidadosamente elegidos para lograr que la acción cumpla su objetivo. Si en su caso, realizó bocetos para visualizar el proyecto, manténgalos a la mano para recordar el recorrido —o la cartografía específica— y no desaprovechar tiempo valioso; recuerde que todas sus acciones serán documentadas en tiempo real. Las palabras usadas, a pesar de pretender ser hilos conductores con carácter narrativo, pueden llegar a ser una especie de “exceso-de-información”, interviniendo en el proceso imaginativo-interpretativo del público espectador, la pertinencia en el uso de este tipo de recursos, corre por su cuenta. Las implicaciones políticas de su obra —por mínimas que éstas sean— definirán una posición específica hacia las instituciones involucradas/ criticadas.

Paso 5. Si en su propuesta utiliza globos blancos, procure establecer claramente la diferencia entre: a) una fiesta sorpresa, b) una promoción de telefonía celular o c) una simbolización de los tiempos suspendidos, a través de expresiones indefinidas con tendencias micrómanas entre los espectadores comunes del aula 501. Si tiene que abandonar la acción, indíquelo con un post-it idealmente de color amarillo. Los códigos que servirán para autentificar la autoría y conceptualización del proyecto deberán ser claramente descritos a las personas o instituciones correspondientes. Si en su defecto se basó en una acción de “artista ausente”, considere al pavo real5 como un posible elemento sustituto, obteniendo desde el principio un alto nivel discursivo.

Paso 6. Las observaciones que reciba de su propuesta serán muy importantes para planeaciones futuras. La masa crítica y la estética relacional son elementos importantes para un apropiado funcionamiento de la obra. Nunca deje de preguntarse qué quiere conocer con sus acciones.

Paso 7. Siempre tenga en mente que no es su papel la emisión de juicio de valor alguno, sólo es un observador que busca transmitir y/o recibir un conocimiento con cierta trascendencia en el ejercicio colectivo. Los “ahoritas” son elementos de un etos barroco intrínseco en nuestra cultura, y no implican necesariamente algún tipo de ineficacia en el orden social; la flexibilidad y la permanente discrecionalidad que rigen cada unos de nuestras actividades son una singularidad que, da como resultado, esa dualidad ya por todos intuida; citando a Bolivar Echeverría:

El barroco parece constituido por una voluntad de forma que está atrapada entre dos tendencias contrapuestas, respecto del conjunto de posibilidades clásicas, es decir, “naturales” o espontáneas, de dar forma a la vida —la del desencanto, por un lado, y la de la afirmación del mismo como insuperable— y que está además empeñada en el esfuerzo trágico, incluso absurdo, de conciliarlas mediante un replanteamiento de ese conjunto a la vez como diferente y como idéntico a sí mismo.6

Después de un seguimiento preciso y acotado de las instrucciones aquí presentadas, no se sorprenda si en un futuro próximo, es invitado como artista itinerante para intervenir la Casa de la Cultura (administrada por su gobierno local) de la colonia donde reside.
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1 “One Place after Another: Notes on Site Specificity”. Miwon Kwon, October, Vol. 80. Spring, 1997, p. 85 / 2 Ibídem, p. 86. / 3 http://www.imdb.com/character/ch0085860/quotes. Octubre 4, 2011. / 4 Miwon Kwon, op. cit., p. 91. / 5 Francis Alÿs. El Profeta y la Mosca. Madrid, Turner, 2003, p.40. Invitado por Harald Szeemann a la XLIX Bienal de Venecia (2001), y consciente de la atención obsequiosa prodigada por el establishment del arte durante los festejos de apertura, Alÿs planeó una obra en “vivo” que no requería su presencia: “El embajador”. Mister Peacock (un pavo real) fue alojado en una habitación de hotel y se le asignó un ayudante para que pudiera asistir a los festejos inaugurales de la Bienal. / 6 Bolivar Echeverría. La modernidad de lo barroco. México, Ediciones Era, 2005.

¿Cuántos ahoritas flotan sobre nuestras cabezas?

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Los sitios seleccionados para exponer la pieza son: Museo Nacional de Arte, en la Ciudad de México, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, en Monterrey Nuevo León, y el Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán, en Mérida Yucatán.

Reflexiones sobre el libro Entendiendo la teoría de medios de Arjen Mulder, 2004.
Luis Pombo / Dibujo Contemporáneo: Natalia Calderón y Darío Meléndez
México D.F. a 25 de agosto de 2011.

La búsqueda de la identidad es una característica que se manifiesta en cualquier grupo social, una necesidad intrínseca por definir los rasgos propios de un individuo o colectividad para diferenciarse de los demás y encontrar puntos de cohesión hacia el interior; esa fuerza que une a las personas al nivel más superficial, otorgándoles la idea de pertenencia, brindándoles una muy particular sensación de unión y seguridad.

“Como bien sabemos, cualquier nivel, aspecto o campo de la identidad debe comprenderse y concebirse como una relación social y no como un hecho dado. Debemos reconocer, asimismo, que dicha relación social se encuentra en transformación permanente y por lo tanto las identidades no son atributos inconfundibles y siempre visibles, salvo en momentos y circunstancias específicas, o en los casos que implican marcas deliberadas”.1

José de Val destaca un punto interesante: la transformación constante; cualidad innegable que existe en cualquier sociedad, y que —de forma directa— afecta sus concepciones, tanto de grupo como individuales, volviéndola incluso virtual. La propuesta de este proyecto se basa en dicho principio, donde a través de una serie de conceptos y definiciones, se buscará otorgar al espectador una versión de identidad, la cual estará determinada por dos ideas generales: tiempo y “remediación”.

El autor, A. Mulder, afirma que la modernidad —como movimiento artístico— se volvió un “sistema de alarma temprano” 2, una actitud que exigía en la sociedad una relación mucho más estrecha con los medios y las nuevas tecnologías, la generación de un “anti-ambiente” se manifestaba para contrarrestar el control que por largo tiempo había prevalecido, una forma de cuestionar la aparente normalidad que prácticamente había dominado las concepciones artísticas desde finales del s. XVIII. El arte será irrumpir y acceder, de forma violenta, al plano físico e inconsciente del espectador.

El modernismo es la voluntad de ser moderno, el deseo de “conectarse” al medio más innovador. El autor define la Teoría de Medios a partir de tres concepciones, o —escuelas— que definieron el entendimiento del fenómeno de medios (media en inglés) y que abarcan a cualquier medio de comunicación; los autores de éstas son: Marshall McLuhan, Claude Shannon, y Gregory Bateson.3

Según McLuhan, la Teoría de Medios surge gracias al movimiento cubista de principios del siglo XX, el cual aseguraba que la pintura no debía considerarse como la representación natural de algo, la obra debía ser mucho más, era espacio, era totalidad, el visitante estaba acostumbrado a ver el medio, no el mensaje, la autonomía se hacía dueña de la experiencia arte-obra-público espectador.4 La expansión de los sentidos se vuelve la razón para el nuevo arte, un nuevo nivel de conciencia (o simplemente en desuso) aparta los convencionalismos del arte clásico. El objetivo del arte —y de los nuevos medios— se enfocaría a partir de ese momento en una experiencia completa, incluso sensorial, trascendiendo por mucho cualquier intento romántico por esa ansiada renovación estética-ideológica.

Para simbolizar la búsqueda de la identidad, parto del concepto código QR (quick response), tecnología que se apoya en el concepto de código de barras: una serie de puntos o líneas, que dependiendo de su variación, sirven para registrar información en un sistema binario5, cuyas secuencias proveen a su vez de un acceso directo a un medio digital deseado, como un correo electrónico o una página web. En este caso, el código QR, es la identidad recuperada, una serie de datos (o memorias) que fueron vaciadas en un medio (internet), y allí permanecerán para ser compartidas con quien tenga interés de interactuar, o coincidir. En este punto, me apoyo en el concepto de comunicación de la Teoría de Medios, donde los actores: información, significado y efectos,6 son recuperados para dicha experiencia. La predictibilidad de la experiencia es muy baja, ya que la única información para el espectador será el título de la obra y su manifestación física (visual), haciendo del “1″ y “0″ el único camino viable, una especie de entropía fortuita, otorgando cierto grado de incertidumbre sobre la cantidad de mensajes que flotarán justo en ese instante, citando al autor: “los usuarios de un medio son inevitablemente programados por este”.7
Al generar curiosidad, despertará la imaginación, haciendo de la obra un “medio frío”, aunque dependiendo de la cantidad de información otorgada —al usar el código como punto de acceso—, puede convertirse en un “medio cálido”.8

La obra es “remediada” porque surge de un medio nuevo (código QR), pero vive y está inspirada en un medio anterior, que podría ser una tarjeta de presentación, o un curriculum vitae,9 imitando la acción de representar una serie de datos sobre lo que se consideraría, “mi identidad”, y que, de acuerdo al autor, cumple con la definición sobre el contenido de las bases de datos digitales, las cuales están construidas de viejos medios, como los impresos, fotografías, filmes, vídeos y audio.10 La discusión sobre “transparencia” e “hipermediación” puede variar dependiendo de la perspectiva en que se apoye. Es “hipermediática” porque parte de un ejercicio nuevo de conexión, por lo tanto, no hay un seguimiento tácito para avanzar en la experiencia; pero es “transparente” al “remediar” medios tradicionales, y nuevamente “hipermediática”, porque durante la transferencia de datos, se pueden manifestar elementos que no reconozcamos de forma ordinaria o inmediata.11

El objetivo de esta experiencia será provocar en el espectador una reflexión sobre el concepto de tiempo e individualidad, ya que la obra constará de un carácter análogo (infinito) y uno digital (finito), que al representar lo mismo (los medios usados serán papel y bits) simbolizarán el argumento de Mulder sobre esta coyuntura:

“Mientras la conciencia análoga busca determinar si una aseveración es verdadera, razonablemente válida o fiel en imagen; la conciencia digital observará la validez de las condiciones sobre las cuales una afirmación puede o no puede hacerse, y cómo o cuándo, una imagen determinada puede o no considerarse estar apegada a la realidad”.12

Buscando en el individuo —que por naturaleza se considera así mismo un ente análogo, condicionado y trascendental— que su conciencia digital lo conduzca a través de una red cognoscitiva de datos e información, donde la identidad pierda su carácter sistémico-filosófico-nacionalista, y le brinde una idea más esperanzadora (o menos trágica), sobre sí mismo y su función social.

1 José del Val. México: identidad y nación. México, UNAM, 2004, p. 14 / 2 Arjen Mulder. Entendiendo la teoría de medios. NAi Publishers, V2 Organization, 2004, p. 57 / 3 Ibídem, p. 9 / 4 Ibídem, p. 17 / 5 http://www.britannica.com/EBchecked/topic/52455/bar-code / 25 de agosto de 2011 / 6 Arjen Mulder, op. cit., p. 27 / 7 Ibídem, p. 34 / 8 Ibídem, p. 48 / 9 Conclusión sujeta a una discusión sobre la definición de los términos / 10 Arjen Mulder, op. cit., p. 59 / 11 Ibídem, pp. 60-61 / 12 Ibídem, p. 169

Documentación de proyecto:

Reflexiones sobre el capítulo Arte de la Enciclopedia de Conocimientos Fundamentales, UNAM, 2011.
Luis Pombo / Maestro: Arturo Miranda. México, D.F. a 26 de agosto de 2011

Monstruo; 2011 / Acrílico sobre tela / 50 x 40 cm

El romanticismo trajo consigo la exacerbación de las pasiones, lo primitivo, la naturaleza viva que palpita en el ser humano y que puede ser tan pura y noble como el más refinado valor clásico. Lo emocional contra lo racional, el despertar científico de la época, pero también una búsqueda por los valores imperfectos del ser. La metáfora que los autores hacen con el monstruo de Frankenstein, es una perfecta alegoría del conocimiento estético y sus orígenes como valor positivista, junto con los cuestionamientos naturales hacia la conciencia y la sensibilidad, además de una ser una clara referencia a la época en que se dictaron los cánones del arte, su apreciación, y esa sacralización que aún perdura en nuestros días.

El artista, por definición, es un ser libre que vive una intensa y constante batalla interior, sus pasiones contra las razones que lo unen a su entorno, el pensamiento crítico como arma de dos filos: uno capaz de construir grandes proyectos al lado de profundas hipótesis, y el otro, una tendencia a la autodestrucción y oscuridad, situación proclive dada su propia naturaleza.

Los autores, al cuestionarse sobre la compleja situación entre el hombre común y la obra de arte,1 hacen evidente que la sociedad contemporánea necesita nuevos caminos hacia la experiencia del arte. La contemplación de las grandes obras artísticas en solemnes e impolutas salas, es una concepción caduca, en el sentido de que las nuevas propuestas artísticas, junto con la gran infraestructura a su alrededor, deben buscar caminos de interacción, y no simplemente desde el punto de vista físico, sino a nivel cognitivo y sensorial, donde el arte cumpla con ese papel de liberación y búsqueda a través de la imaginación individual y colectiva. El artista debe ver la represión donde nadie la ve, descubrir y combatir la manipulación, cuestionar el control como método de alienación; en síntesis, luchar contra la banalización de los contenidos artísticos.2

Según palabras de Herbert Read, es preponderante recuperar la luz del individuo, todo aquello que de forma sistemática fue suprimido y reprimido, algo como un rescate del “súper yo” freudiano, donde viven todas las restricciones humanas, junto con el impulso hacia la perfección, donde, de forma latente, duerme el anhelo hacia las más altas expresiones individuales.3

La modernidad, trajo consigo el interés por relacionarse más con el entorno, descubrir procesos y herramientas inspirados en las nuevas tecnologías. Una capacidad de re-inventarse a sí mismo viendo hacia el futuro, con las incertidumbres acostumbradas, pero con la voluntad por ser parte de un nuevo y desconocido futuro. Pretendamos que seguimos siendo modernos, que todavía tenemos capacidad de asombro, esa ingenuidad característica que despierta la creatividad y la inteligencia para construir un mejor presente. Hagamos como el monstruo, quien a pesar de descubrir las más bajas pasiones, pudo maravillarse del espíritu humano y ver al mundo como un bello instante de su miserable existencia.

1 Enciclopedia de conocimientos fundamentales. Tomo 2: Arte. México, UNAM, Editorial Siglo XXI, 2011, p.543

2 Ibídem, p.550

3 Herbert Read. Arte y sociedad, traducción de Manuel Carbonell. Barcelona, Edicions 62, 1977, p. 148